Os romanos afirmaram que a sua arte pictórica deriva da Grécia e que a partir do século III a.C. teria assimilado as suas técnicas e estilos. Não tiveram pouca importância na transferência deste fogo artístico as campanhas militares na Sicília e na Magna Grécia; também o Círculo dos Scipios, filósofos, historiadores e poetas que foram a corte de Csipio Emílio, um círculo que mereceria o elogio de Cícero.

Apeles, mestre da pintura em Roma

O mestre indiscutível em toda a Antiguidade clássica greco-romana seria, portanto, Apeles, o único pintor por quem Alexandre Magno permitiria ser retratado. Os motivos escolhidos por Apeles para as suas pinturas seriam repetidos até à saciedade; pois, como a Ilíada e a Odisseia de Homero, a Eneida de Virgílio ou os poemas de Safo, tornaram-se o modelo acabado da perfeição da sua arte.

Apeles, Nino Pisano, Saiko. Creative Commons

Testemunhos gregos e romanos contam deste pintor que a vida palpitava nas imagens estáticas nas suas telas, madeiras ou paredes. A tal ponto que pareciam sair da prisão do largo e do alto, zombando das limitações que a Natureza impõe ao comum dos pintores.

Apeles cultivou, preferencialmente, os temas mitológicos e o retrato. Extraordinários, sublimes e inimitáveis foram, por exemplo, o retrato que em Éfeso fez de Alexandre Magno, com o gesto de Júpiter Tonante; e de quem o próprio rei dos reis diria que havia dois Alexandres, o filho de Filipe e o representado por Apeles. O gesto, a força, a vida palpitavam noutro retrato equestre de O Grande, que os cavalos reais, ao vê-lo, relinchavam. Outros famosos retratos de Alexandre o representaram num carro triunfal, outro acompanhado da vitória, e outro em que ele aparecia ao lado dos deuses Castor e Pólux; todos eles mudados para o Fórum de Augusto para que pudessem ser contemplados por todos os cidadãos de Roma. Conta Plínio que o imperador Cláudio cometeu a, digamos, impertinência de substituir no quadro do Carro Triunfal o rosto de Alexandre pelo de Augusto.

A obra-prima de Apeles é, sem dúvida, segundo o testemunho unânime dos gregos e romanos, a VÉNUS ANADIOMENA, isto é, Vénus nascida da espuma do mar e dela surgindo, luminosa e belíssima, e que seria cantada por Propércio nos versos in Veneris tabula summan sibi poscit Apelles (No painel de Vénus, Apeles ganha o vértice).

Vénus Anadadiomena, Stephen Haynes. Domínio Público

Outras obras importantes conhecidas de Apelles, estas de temas mitológicos, seriam:

  • As três graças, alegria, beleza e entusiasmo, que fazem parte do cortejo da deusa do amor.
  • Artemis com um coro de jovens, simbolizando a luz da lua e a sabedoria guiando castos meninos e donzelas.
  • A calúnia, inspirada provavelmente na acusação injusta a que foi objeto em Alexandria, e que lhe teria valido a prisão e quase a morte.
  • Diana rodeada de caçadoras, ou seja, a sabedoria e os seus poderes buscando libertar com as suas flechas de luz, nas selvas e bosques da vida, as almas acorrentadas pela ignorância a uma existência animal.
  • Hércules, o melhor dos heróis, símbolo da Iniciação e da alma que supera pela última vez as provas e limitações que prendem à Terra.

E, no entanto, embora a pintura romana seja, segundo afirmam eles, o legado de Apeles, também é verdade que encontra antecedentes na pintura que decora os túmulos etruscos, geralmente pintadas a fresco. Estas pinturas, sabe-se, como as egípcias têm um valor mágico evocativo, e foram preservadas quase intactas graças a terem permanecido enterradas durante milénios. Pensemos, se não, nos jardins ideais que representam paraísos onde a alma do defunto, geralmente príncipes e sacerdotes ou membros da mais alta nobreza, ainda podem realizar banquetes ideais com as pessoas queridas ou contemplam danças, ouvem músicas inaudíveis para os nossos ouvidos mortais, praticam exercícios de ginástica, amam, etc. Também é possível, de acordo com o pensamento sacerdotal e iniciático de todas as antigas civilizações, que se deseje não apenas evocar cenas do submundo, mas também ocultar ensinamentos muito profundos sobre a natureza do homem e do universo. Um complemento em imagens de túmulos do que o falecido teria aprendido nos ritos esforçados de Iniciação.

As cores usadas pelos seus pintores não são os desta terra, e por isso encontramos os frescos fantasmagóricos do túmulo da Campana em Veyes, que se supõe ser o túmulo etrusco que guarda as pinturas mais antigas da arte funerária etrusca, do século VIII a.C. Nela, por exemplo, um anão, ou é a imagem da alma do falecido?, é levado por um cavalo com cabeça cinzenta e rosado corpo, metade dele, porque a outra metade está manchada de amarelo. É evidente que são imagens do astral, cores do além das portas da morte… Há motivos etruscos que nos lembram as imagens vivas das cerâmicas iberas, e mesmo das cerâmicas de tartéssia, no que os especialistas chamam o seu zelo orientalizante.

José Pijoán, escritor de uma das mais monumentais histórias de arte já publicadas, escreve sobre estes frescos etruscos, comentando um dos túmulos de Tarquínia: “As ramagens no fundo da pintura parecem indicar que estamos num jardim ideal, um empíreo onde se vive como na terra, mas mais forte, mais ativamente (…) Encontramos, até, representações das divindades infernais sentadas em tronos, e figuras beatíficas das almas já admitidas na corte de Plutão. Estes frescos, relacionados com as esperanças despertadas pelas iniciações nos mistérios (…)”.

São inefáveis os frescos do túmulo de Francois, em Vulci, que representam cenas épicas e históricas do período etrusco de Roma. Nestes frescos aparece uma das características da arte e da alma romanas, que é a «pietas». Há um sentimento de piedade latina nos rostos dos jovens troianos que vão ser executados (por Aquiles, para aplacar os manes de Pátroclo, relatando uma cena da Ilíada). É algo completamente estranho à mentalidade grega. Os cativos de Vulci sabem que são vítimas do destino, sabem que é inútil resistir ao destino que governa os próprios deuses. Há também outro fator italiano, que é a intensa individualização das personagens. Cada figura tem sua fisionomia inconfundível… Poderíamos dizer que, assim como os gregos exaltaram o género ou a espécie, os artistas itálicos encontraram o indivíduo. Pietas é, segundo Cícero, a estrita observância das leis em relação aos Deuses, e aqui se manifesta no reconhecimento de que há uma Vontade que tudo governa e que obedecem os próprios Deuses, Vontade que ecoa no coração humano e que o faz se esforçar para se tornar a ser, para não deixar que o espírito ceda a um destino adverso. De acordo com os ensinamentos dos filósofos estoicos romanos.

Embora o etrusco e o romano às vezes se fundem de tal forma que é difícil separar o que é próprio de cada um, Plínio, o Velho, na sua História Natural, nos informa que as pinturas romanas mais antigas foram aquelas que adornaram o templo de Ceres em 493 a.C., e que a executaram. em terracota, dois gregos chamados Damófilo e Górgaso. Rapidamente se diferenciaram os romanos dos gregos ao enfatizar o uso historicista da pintura, que evoca nas paredes de túmulos e templos as vitórias sobre os inimigos de Roma, como atesta o fragmento encontrado num túmulo do Esquilino romano, do século III a.C. Nela aparecem cenas do cerco de uma cidade, da entrega de uma condecoração militar em que teria participado o nobre romano, Fábio, que agora descansa e sonha,…

Sabemos de generais romanos que encomendaram pinturas para evocar os seus triunfos militares, pinturas que mais tarde seriam usadas para adornar templos. Embora a função ritual e propagandística seja talvez ainda mais importante nas chamadas cerimónias de triunfo; nelas o general chegava a Roma no seu carro triunfal, seguido pelos exércitos vitoriosos e os prisioneiros vencidos, por troféus de guerra, estátuas sagradas dos deuses das terras conquistadas e pacificadas – os deuses eram cerimonialmente convidados para as suas novas moradas – e por painéis pintados com as cenas das batalhas, ou mapas das cidades conquistadas, etc… Estes painéis ou tabulae triumphales logo se tornaram oferenda para os templos. Que melhor oferenda que a vitória! Que melhor testemunho do que a recordação dessa vitória!

Esta marcha triunfal que subia em procissão até o templo do Júpiter Capitolino era uma cerimónia de purificação pelo sangue derramado por Roma e de Roma, uma expiação ritual necessária que acabaria sendo um símbolo por excelência do poder de Roma. E estas grandes pinturas são uma recordação da sua força, costume que seria seguido pelos grandes governantes da Europa, desde o Renascimento, como Carlos V ou o próprio Napoleão. Também nos lembra Quintiliano nas suas Instituições Oratórias o uso de pinturas em grandes painéis para comover o público nos processos judiciais; embora não o recomende. Galba, para expulsar do poder o primeiro imperador e depois tirano Nero, havia mostrado em público imagens dos condenados e executados, além de outros ultrajes do megalomaníaco habitante da Domus Aurea.

Características da pintura romana

Os traços distintivos da pintura romana podem ser analisados, tanto pelo estudo dos fragmentos que restam do naufrágio da sua civilização – especialmente aqueles que permaneceram fossilizados no tempo, como Pompeia, Herculano e várias das villas romanas – e também pelo estudo feito por dois autores: Marco Vitrúvio Polion, arquiteto da época de Augusto, no seu famoso tratado De architectura; e Plínio, o Velho – o mesmo que, no seu zelo investigador e aventureiro, sucumbiu na erupção do Monte Vesúvio e morte de Pompeia em 79 d.C. Quando, como “jornalista”, ia examinar os factos – no seu livro XXXV da sua História Natural.

Villa Farnesina. Domínio Público

Estas características distintivas da pintura romana são: exaltação do indivíduo, oposição à exaltação do género típico dos gregos; multifocalidade – são muitos os centros que exigem a atenção, adequado uso da perspetiva; uma gama de cores muito ampla, oposição às quatro cores da pintura grega, tendência – que se acentua cada vez mais à medida que evoluía a pintura romana – para o impressionismo e para o abandono do contorno das imagens, dando mais importância à cor do que ao desenho; os temas são históricos, retratos, temas mitológicos – geralmente cópias dos mestres gregos, paisagens e decorações arquitetónicas para que «as paredes deixem de sê-lo», temas de natureza esotérica, simbólica ou iniciática, como as pinturas da Villa dos Mistérios em Pompeia; ou os da Aula Isiaca em Roma ou os da Villa Farnesina, também em Roma; às vezes também temas eróticos – geralmente no mais recôndito das vivendas romanas – e os humorísticos – por exemplo, nas miniaturas de Callicles, comentadas por Varrão, bibliotecário de Júlio César, miniaturas de não mais do que quatro dedos com cenas cómicas; naturezas vivas (é impressionante e não se repete a inefável beleza dos seus cestos cheios de frutas) e naturezas-mortas. Destaca-se também o magistral uso do «esfumado» que permite mergulhar nas imagens e que transformaria pequenas habitações em cenários vivos. As pinturas são murais ou mosaicos – que nos fazem sentir comoção dois mil anos depois – em bordados, tecidos ou cavaletes, a pintura «real» segundo o primoroso Horácio.

Villa dos Mistérios de Pompeia, Raffaele Pagani. Creative Commons

As técnicas utilizadas são principalmente o fresco, que era aplicado sobre parede ainda húmida, de modo que as cores penetravam profundamente nela; o estuque, que se dava numa mistura de pasta de cal lascada e mármore pulverizado; a cáustica onde se aplicavam as cores misturadas com cera aplicadas no gesso seco; e também a modalidade do falso fresco que as cores se diluem em cal e são aplicadas sobre a parede seca.

Culto à beleza na pintura de Roma

Cena da vida de Íxion, Casa dos Vécios de Pompeia, foto de WolfgangRieger. Domínio Público

O culto à beleza que fizeram os nobres romanos a partir da época augustana, estava de acordo, sem dúvida, com a aquisição de obras pictóricas dos mestres gregos – podiam permitir-se a esse luxo – ou da decoração mural inspirada nos seus motivos. Júlio César, um cultista da ordem e da beleza, era, segundo Suetónio, amante de pedras preciosas e pérolas, esculturas, obras cinzeladas e pinturas dos antigos pintores. Conta-se que ele pagou uma importante quantia por um Ajax e por uma Medeia de Timónaco, esta última pintura inacabada, que segundo Plínio são as mais admiradas, porque apesar de inacabadas, refletem muito bem o pensamento do artista. Medeia, a feiticeira é uma das personagens femininas mais referenciadas na antiguidade clássica, um símbolo da paixão e da força curativa e destrutiva do Eterno Feminino. Ovídio, Séneca e muitos outros não resistiram a escrever sobre esta personagem que bárbara – da Cólquida – teria permitido ao aventureiro Jasão conquistar o Tosão de Ouro. Se tivéssemos que vinculá-lo aos arquétipos astrológicos, o faríamos com o arquétipo puro de Escorpião, como Jasão o é de Áries.

Ajax é outra personagem muito interessante da Ilíada que representa simplicidade e força primitivas, com certos traços de grosseria, que não consegue se adaptar às mudanças e às exigências para os novos heróis, com maior audácia, inteligência e versatilidade, como o é Ulisses, o protegido de Atena. No combate entre Ulisses e Ajax pelas armas de Aquiles, este perde e acaba enlouquecendo de ciúmes. A mudança que Júlio César defenderia com a sua ditadura e que permitiria o advento do Império a partir da simplicidade e austeridade da República típicas de um Catão; está, sem dúvida, relacionado com estas novas exigências da história que refletem o mito de Ulisses e Ajax.

Quatro estilos da pintura romana

Um artigo sobre pintura romana deve obrigatoriamente incluir uma menção aos quatro estilos ou períodos da pintura romana. Estes foram determinados pela tentativa de ajustar, mais ou menos, algumas declarações de Vitrúvio sobre a história da pintura romana no seu célebre tratado de Arquitetura e as pinturas que a arqueologia recuperou de Pompeia, Herculano, o porto de Óstia e várias villas romanas. O texto de Vitrúvio diz que os antigos, no seu desejo de imitar pictoricamente a realidade, começaram a decorar as paredes com pinturas que imitavam revestimentos de mármore e motivos arquitetónicos como colunas e frontões (o primeiro estilo ou estilo de incrustações), que mais tarde revestiram com pinturas que reproduziam cenários teatrais no estilo trágico, cómico ou satírico, e com paisagens de portos, promontórios, rios, fontes, estreitos, santuários, bosques sagrados, rebanhos e pastores, bem como efígies de divindades, cenas mitológicas, imagens da Guerra de Troia ou episódios das aventuras de Ulisses  (segundo estilo ou estilo arquitetónico) enquanto na sua época – recordemos que Vitrúvio é contemporâneo de Augusto, são pintadas, disse, imagens monstruosas em vez de imagens reais de coisas definidas, em vez de colunas caneladas e volutas, em vez de frontões arquitetónicos, adornos com folhas onduladas e pergaminhos, bem como candelabros que sustentam representações de pequenos templos, em cujos frontões aparecem delicadas flores que surgem no meio de volutas e sobre as quais, sem justificativa racional, há estatuetas ou pequenos caules rematados por estatuetas com duas metades, uma com cabeça humana e outra com cabeça animal. Ora, estas coisas não existem, nem podem existir, nem nunca existiram (este é o chamado estilo de castiçais ou terceiro estilo ou ornamental). O quarto estilo é chamado de «ilusionista» ou «estilo intrincado» e se desenvolveu de meados do primeiro século até ao seu final, sendo «moda» em Pompeia, quando foi destruído em 79 d.C. Ilusionista porque tenta recriar a realidade de forma imaginativa e fantástica, «num labirinto de formas que aparecem e desaparecem no pequeno cenário da parede», que desorienta, mas que emociona por causa da vivacidade das suas mil cores.

Quem visita Mérida, Itálica, Almedinilla, Alcudia ou qualquer uma das primeiras cidades da Hispânia romana logo encontrará as imitações de mármores multicoloridos do primeiro estilo, o das incrustações, por vezes combinando cores de modo quase irreal. Esse é o estilo, por exemplo, do pintor Serapion, de origem egípcia e de quem Plínio dizia ser um excelente pintor de decorações, mas incapaz de retratar um ser humano.

Palácio de Lívia no Monte Palatino, Vitold Muratov. Creative Commons

O segundo estilo arquitetónico aparece nas paredes de construções em perspetiva, paisagens, jardins – como o maravilhoso na Casa de Lívia, no Monte Palatino – cenas mitológicas nos painéis centrais. Coincidem estas pinturas, as mais belas sem dúvida da arte romana, com o esplendor de Roma sob a égide de César e Augusto.

O Terceiro estilo ou Ornamental recria imagens e cenários do mundo dos sonhos. Responde talvez à necessidade de descanso psicológico, à necessidade de evocar jardins para a alma, onde habitam ninfas, fadas, génios do ar, e onde templos e altares em bosques íntimos parecem surgir do ar, em perfis vagos, que não é o da realidade como ela é vista, mas como ela é recordada. Dos cantos e frisos espreitam curiosos génios lúdicos, miniaturas, quase caricaturas que se tornaram uma das obras artísticas mais universalmente admiradas do tesouro da humanidade.

As pinceladas desenham os objetos com um impressionismo não superado pelos pintores do século XIX, os fundos são escuros e os contornos das imagens são eliminados, pura luz e movimento agora. Pensemos, por exemplo, no vaporoso – parecem imagens vivas no incenso das oferendas – do fresco romano que retrata um santuário campestre no Museu Metropolitano de Nova York.

É claro que, se a oratória foi a arte suprema para os romanos, a que formava os cidadãos, estabelecia o critério da justiça, formava a base armilar do comércio, das artes militares e do governo; a pintura foi para o romano culto um discurso de imagens vivas e símbolos, um discurso silencioso de cor que alegra a alma, que a serena. Cícero compara a arte da oratória e a pintura, os diferentes tipos de oratória e os estilos de diferentes pintores. Pode encontrar-se um paralelo no colorido, nos contrastes, na luz nas suas infinitas gradações com a galeria de imagens que evoca o verbo do orador. As imagens que no ar e na memória fixa o discurso com as que as tintas fixam em pinturas e murais. Não é em vão que o Dr. Jorge Angel Livraga, fundador do movimento filosófico internacional Nova Acrópole, declararia que os discursos de Cícero contra Catarina são a Capela Sistina da Oratória; e o imperador Augusto recomendou a Quinto Pédio, nobre romano, que se dedicara à pintura, porque, embora mudo desde o nascimento, a sua alma podia dialogar e estudar o seu ambiente através da pintura, como o orador faz através das palavras.

Quando Ovídio cantou na Arte de Amar os seus versos imortais de «tantas quantas estrelas há no céu há belas mulheres em Roma» e «o Amor é uma milícia, abstenham-se os covardes», leu na Alma de Roma a mesma ânsia, ternura, vivacidade e coragem que a sua pintura soube traçar em cores e formas, porque sem dúvida a Alma da pintura romana é… a Alma de Roma.

José Carlos Fernández
Escritor e Diretor da Nova Acrópole Portugal

Imagem de destaque: Fresco da Villa dos Mistérios de Pompeia, Wolfgan Grieger. Domínio Público